Alexander Goehr

Alexander Goehr
Alexander Goehr (Jerusalén, 2007)
Información personal
Nacimiento	10 de agosto de 1932 Berlín (República de Weimar)
Fallecimiento	26 de agosto de 2024 o 25 de agosto de 2024 Cambridgeshire (Reino Unido)
Nacionalidad	Reino UnidoReino Unido
Familia
Padres	Walter Goehr Laelia Goehr
Educación
Educado en	Royal Northern College of Music Berkhamsted School Royal Manchester College of Music Conservatorio de París
Alumno de	Olivier Messiaen Yvonne Loriod
Información profesional
Ocupación	Compositor y profesor
Empleador	Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra Universidad Yale Universidad de Southampton Universidad de Leeds (1971-1976) Universidad de Cambridge (1975-2024)
Género	Ópera y sinfonía
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Alexander Goehr (Berlín, 10 de agosto de 1932-Cambridgeshire, 26 de agosto de 2024)^[1]​ fue un compositor y académico inglés de origen alemán.

Alexander Goehr nació en Berlín, hijo del compositor alemán Walter Goehr (1903-1960), un importante discípulo de Arnold Schönberg. Estudió en la Royal Northern College de la Música en Mánchester (1952-55), donde compartió aulas con Peter Maxwell Davies, Harrison Birtwistle, John Ogdon y Elgar Howarth. Juntos formaron el grupo «New Music Manchester», dedicado a las representaciones de música contemporánea. En 1956 fue a París para estudiar en el Conservatorio de París con Olivier Messiaen, y ese mismo año se fue a Darmstadt, donde su obra para orquesta, Fantasia, tuvo su primera ejecución. Mientras residía en París, en 1956-57, Goehr también recibió algunas clases particulares de Pierre Boulez.

En 1971 fue nombrado Profesor de Música en la Universidad de Leeds, trasladándose en 1976 a un puesto similar en la Universidad de Cambridge, a un puesto que mantuvo hasta 1999.

El primer trabajo publicados de Goehr es la Piano Sonata (1953), una obra fluida e idiomática que cierra la brecha entre Prokófiev y el serialismo (Prokófiev había muerto en marzo de ese año, y la sonata conmemora el hecho con una breve cita de su Séptima Sonata). Las obras de Goehr desde la mitad de los cincuenta tienden a ser más austeras y se adhieren estrechamente al tradicional sistema schoenbergiano de la técnica de las doce notas. El primer éxito internacional de Goehr fue su cantata The Deluge («La inundación», 1958), sobre textos de Eisenstein, que suscito un considerable revuelo en su primera representación, dirigida por su padre. Es una obra construida líricamente, con más coherencia armónica y mucho más dramatismo que la mayoría de la música serial de la época. Su impacto en los colegas de Goehr de Mánchester también parece haber sido considerable: se hacen eco de esta obra, tanto en términos de escritura vocal como instrumental, Maxwell Davies en su obra Leopardi Fragments (1961) y Birtwistle, en su Monody for Corpus Christi (1960).

Como resultado del éxito de The Deluge, Goehr recibió el encargo de componer una pieza para la orquesta de los BBC Promenade Concerts (Hecuba's Lament) y una larga cantata para coro, barítono y gran orquesta,, Sutter's Gold, (1961), de nuevo con textos de Eisenstein. Sin embargo, el estreno en el «Leeds Festival» no tuvo éxito y provocó un duro editorial del periódico The Times en que se afirmaba que la obra señalaba el fin de la tradición coral británica.

A pesar de ello, Goehr continuó componiendo obras corales. Alentado por su amistad con el director de coros John Alldis, firmemente comprometido con la música nueva, Goehr compuso su Two Choruses (1962), una obra en que usa por primera vez la característica armonía declinada del serialismo modal, que ha de seguir siendo su principal recurso técnico durante los próximos 14 años. Brevemente explicado, partes de una serie se dejan sobre otros segmentos de la serie original para obtener un limitado vocabulario interválico, en el que ciertas clases de tonos armónicos y agregados tienden a predominar. El resultado es eufónico, armónicamente coherente y una verdadera salida del cromatismo denso del sistema clásico de los 12 tonos de Schoenberg.

La técnica de rotación de Goehr, tanto como procedimiento técnico como por sus resultados armónicos, tiene mucho en común con la idea de Boulez de «bloque sonoro», idea derivada de la segmentación de la serie en unidades más pequeñas que se multiplican entre sí. Pero, a diferencia de Boulez, Goehr conserva una fuerte y duradera relación con los preceptos de Schoenberg, como expresa en sus últimos escritos (recogidos en la antología "Style and Idea"). Al igual que Schoenberg, Goehr está comprometido con la revivificación de las formas tradicionales occidentales, como la sonata, la sinfonía y la fuga. Esto hace que su música sea difícil de encasillar, ya que no es puramente tradicional en su perspectiva, pero tampoco rechaza ciertas características de las vanguardias estéticas de la posguerra. Esto ha dado lugar a opiniones como las del compositor y crítico Bayan Northcott, que ha calificado de Goehr como un "radical conservative" («conservador radical»).

Goehr aplicó por vez primera a gran escala el nuevo serialismo modal en su Little Symphony, para cuerdas (1962). Es una obra en memoria des su padre, Alexander Goehr, compositor y director de orquesta, que había muerto inesperadamente. Utiliza una serie de acordes sutilmente modelada (aunque no una cita) sobre el movimiento Las catacumbas de los (Cuadros de una exposición) de Músorgski. (Alexander Goehr había hecho un minucioso análisis armónico de este inusual movimiento y también había publicado su propia orquestación de los Cuadros de una exposición, aunque excluyendo Las catacumbas). La propia serie coral de Alexander Goehr es más rica que la original de Músorgski, con un fuerte predominio de terceras y sextas, y falsas relaciones destacadas entre acordes adyacentes. Comprende la totalidad del primer movimiento de la Little Symphony. El resto de la obra es, de hecho, una gigantesca serie de variaciones en la serie de acordes, aunque en realidad sólo el e segundo movimiento se designa expresamente como 'variaciones'. El scherzo del tercer movimiento ofrece un marcado contraste con su estridente escritura para las maderas, que se hace claramente eco del retorno de la serie de acordes básicos en el lento trío. El finale alterna dos tipos de música muy contrastados —ambos basados sobre el coral: un lento lamento y una música mucho más rápida, salpicada por cadencias rítmicas—, que ha seguido siendo una característica propia de Goehr de su etapa madura. La coda que cierra la obra es una variante final del tema de obertura de toda la sinfonía.

Las obras posteriores de los años sesenta, incluyen una Sinfonía (1969), que fusiona sonata, fantasía y variaciones en un discurso de media hora. La armonía es una de las más exuberantes y articuladas de Goehr, con una orquestación ricamente detallada. La sorprendentemente discursiva coda deja deliberadamentea los hilos armónicos sin resolver, colgando sobre un acorde luminoso de los metales. Durante este período, Goehr también compuso la Romanza para violonchelo y orquesta, estrenada en 1968 en el Brighton Festival por Jacqueline du Pré, bajo la dirección de su marido Daniel Barenboim al frente de la New Philharmonia Orchestra. Ella dijo que "supuso su vuelta a la tierra" ("suited her down to the ground") y que seguía siendo la única música contemporánea que siempre tocó (ha aparecido en CD no oficiales). Aunque muy melódica, la obra también tiene su lado oscuro, con ominosas insinuaciones y es prueba de la viabilidad expresiva y flexibilidad del serialismo modal de Goehr.

La primera ópera de Goehr, Arden Must Die, también fue compuesta durante este período y demuestra ser una poderosa adaptación de la moralidad jacobina que ha incomodado a los políticos contemporáneas por sus resonancias sociales. Aunque tuvo mucho éxito en su estreno en Hamburgo y fue programada una vez más en años posteriores, no se ha interpretado en Gran Bretaña desde entonces.

La música de cámara de Goehr comprende obras como el Piano Trio encargado por Yehudi Menuhin. Se trata de un trabajo en dos partes, cuyo primer movimiento, un danzante basado en tema y variaciones, se ve contrarrestado por un intenso movimiento lento, que se abre con una melodía germinal del violonchelo y se desarrolla a través de obsesivos pasajes cercanos al éxtasis, hasta la conclusión. El Segundo y Tercer Cuarteto de cuerdas (1967 y 1976), no son menos ejecutado con éxito en lo que respecta a la combinación armónica con innovaciones tradicionalmente anclada en gran escala.

El Tercer Cuarteto (1976) fue la última obra de Goehr compuesta utilizando su personal forma de serialismo. Con la obra Salmo 4 abandonó el serialismo por un mundo armónico puramente modal (la obra tiene largos pasajes escritos casi en su totalidad utilizando las notas blancas del teclado), pero no un "modalismo espiritual", tan de moda algunos años más tarde. El contrapunto es austero, pero sonoro y no carece de tensión.

Goehr protagonizó las «Reith Lectures» en 1987, con el título The Survival of the Symphony («La supervivencia de la Sinfonía»).

• George Benjamin
• Ye Xiaogang
• Silvina Milstein

Se citan las mismas referencias del artículo de la Wikipedia inglesa, del que este es una traducción.

• Latham, Alison (ed.). 2003. Sing, Ariel: Essays and Thoughts for Alexander Goehr's Seventieth Birthday. With compact disc. Aldershot, England; Burlington, VT: Ashgate. ISBN 0-7546-3497-3
• Williams, Nicholas. 2001. "Goehr (2): (Peter) Alexander Goehr". The New Grove Dictionary of Music and Musicians, ed. S. Sadie and J. Tyrrell. London: Macmillan.

• Página de Alexander Goehr en la Editorial Schott, en: [1] Archivado el 27 de septiembre de 2007 en Wayback Machine..
• Alexander-Goehr-Archiv en el archivo de la Academia de las Artes de Berlín.